Actividades

Para todas las actividades deben utilizar los contenidos del blog, como también el contenido de  los enlaces dispuestos que elijan recorrer. También deberán buscar ustedes en otros ámbitos (sea Internet o libros, revistas, exposiciones, etc) información que les sirva de apoyo teórico o de ejemplo para llevara cabo las tareas.

 

 

Luego de visitar el Museo Fotográfico Simik, les proponemos las siguientes actividades:

1.   En primer lugar será necesario que el grupo tenga la clase de comunicación II en el gabinete de computación, para poder entrar a este blog y leer los contenidos publicados de forma individual.Los contenidos de este blog están vinculados con la página web del museo fotográfico que han visitado. Dentro de cada  publicación existen otros enlaces destinados a brindar más información para que puedan entender con más detalle cada tema del que se habla. Pero el recorrido de la página queda en  la libre elección de cada uno.  Luego de la lectura, se propone que se pongan en común en la clase las ideas y dudas que puedan haber surgido sobre todos los temas tratados en la página y en la visita al museo.
2. Luego les proponemos aquí una  actividad que deberán realizar en sus casas, y traer para la próxima clase. La tarea consiste en realizar tres tomas fotográficas reproduciendo o imitando la reproducción de una forma  o técnica que cada uno quiera explorar, dentro de las expuestas en la página web: retoque pictórico; tarjeta de visita; fotografía técnica; fotografía comercial; fotografía publicitaria; surrealismo fotográfico; fotomontaje.
3. Se deberá presentar junto con las fotografías una justificación escrita del porqué de la elección de esa técnica en particular, y también una breve referencia sobre el origen histórico de la misma haciendo hincapié en los personajes que la han utilizado. En esta parte de la actividad deberán explicitar así mismo los alcances comunicativos de la técnica o forma que eligieron para fotografiar.
4. Además de las actividades anteriores cada uno deberá llevar a clase una imagen de alguna de las cámaras fotográficas que hayan visto en el museo (indicando modelo, año y lugar de invención, e inventor), y también un daguerrotipo, o reproducción de un daguerrotipo (indicando año, lugar y artista).  Éstas imágenes se colocarán en las paredes del aula para compartir entre todos el conocimiento elaborado.
5. En la clase de entrega de las tareas cada uno deberá exponer al resto de sus compañeros sus 3 fotografías y, según la elección que hayan hecho de las técnicas, se les indica que comenten brevemente de qué forma piensan que esas fotografías comunican algo a alguien.

Fotografía: valores y usos sociales, vínculos con el arte y el comercio

• Repasando el punto anteriormente publicado, podemos decir que los trabajos pioneros de Daguerre y de Talbot condujeron a dos tipos distintos de fotografía. El daguerrotipo positivo, apreciado por su claridad y detalle, fue utilizado en especial para retratos de familia como sustituto del mucho más caro retrato pintado. Más tarde, el daguerrotipo fue suplantado en popularidad por la carte de visite, que utilizaba placas de cristal en lugar de láminas de hierro. Por otro lado, dijimos que el procedimiento del calotipo de Talbot era menos preciso en los detalles, aunque tenía la ventaja de que producía un negativo del que se podían obtener el número de copias deseadas. A pesar de que el calotipo se asoció inicialmente a la fotografía paisajista, desde 1843 hasta 1848 esta técnica fue utilizada por el pintor escocés David Octavius Hill y su colaborador fotográfico Robert Adamson para hacer retratos.

• Desde la década de 1860 hasta la de 1890, la fotografía fue concebida como una alternativa al dibujo y a la pintura. Las primeras normas de crítica aplicadas a ella fueron, por tanto, aquellas que se empleaban para juzgar el arte, y se aceptó la idea de que la cámara podía ser utilizada por artistas, ya que ésta podía captar los detalles con mayor rapidez y fidelidad que el ojo y la mano. En otras palabras, la fotografía se contempló como una ayuda para el arte, como lo hicieron Hill y Adamson. De hecho, alrededor de 1870 se aceptó la práctica de hacer posar a los sujetos en el estudio, para después retocar y matizar las fotos con el fin de que pareciesen pinturas.

Tarjeta de visita, Disdéri.

 

 

 

 

 

 

 

• En 1854, el francés André-Adolphe-Eugéne Disdéri publicó el retrato más famoso –denominado tarjeta de visita– al utilizar negativos múltiples en una única placa de vidrio, de la que se obtenían pequeñas reproducciones. Ahora el burgués podía llevarse varios pequeños retratos al precio de una única placa, luego los firmaba y llenaba con sus datos personales, repartiéndolos entre la gente de su clase a modo de presentación personal, como hoy se hace con las tarjetas personales. Disdéri fotografiaba al retratado de cuerpo entero, olvidando su rostro. Retrataba arquetipos más que personas, debido al academicismo propio de la época. Para que el retrato fotográfico tenga valor artísitico Disdéri sostenia que debía cumplir con: una fisonomía agradable, nitidez general, proporciones naturales, detalles en los oscuros, belleza.

Retrato de Julio Verne por Nadar

 

 

 

 

 

 

 

 

 

•  Expertos en fotografía como el francés Gaspard-Félix Tournachon (conocido como Nadar), y la inglesa Julia Margaret Cameron llevaron el retrato a un alto grado de precisión al rechazar el tradicional retoque (ver enlace para sabér más sobre esta técnica artístoca) y buscar un estilo propiamente fotográfico,  alejandose de esta forma de la concepción netamente artística de la fotografía, con una preocupación especial por captar la psicología del personaje. Mientras se cuestionaba el tema de la fotografía en el ámbito artístico, también se planteaba esta nueva forma de representar la realidad desde el punto de vista científico y técnico.

• Las fotografías sólo podían hacerse en blanco y negro, pero en 1861 se conocían los principios fundamentales de la fotografía en color. En 1888, el americano George Eastman (fundador de Kodak ) lanzó un nuevo método consistente en aplicar la capa sensible sobre una cinta flexible de celuloide, de manera que los negativos podían almacenarse en rollos. Como resultado, el fotógrafo dejaba el laboratorio en casa, y el equipo resultó más sencillo. Gracias a este sistema, las cámaras (en este enlace podrán apreciar la evolución de las cámaras fotográficas) se perfeccionaron y la fotografía se volvió más popular todavía. La verdadera fotografía en color surgió en 1935, cuando Kodak y Agfa empezaron a vender sus películas con emulsión de tres capas.

Kodak lanza  en EE.UU EN 1988 una cámara liviana y equipada con un rollo de película de 100 exposiciones. El usuario que ya no tiene que ser un fotógrafo profesional solo necesita tomar las fotos y enviar el rollo nuevamente a Kodak quien a vuelta de correo le envía las 100 fotos expuestas en positivo . A partir de esa fecha se hace cada vez más popular el uso de carretes para la película y se crean nuevos tipos de cámaras y formatos que fueron sustituyendo a la cámara de placa de gran formato hasta llegar el diseño del cámara 35 mm que conocemos hoy creada por primera vez por la compañía Leica en Alemania en el 1925.

 

 

 

 

 

 

 

 

• A comienzos de este siglo la fotografía comercial creció con rapidez y las mejoras del blanco y negro abrieron camino a todos aquellos que carecían del tiempo y la habilidad para los tan complicados procedimientos del siglo anterior. En 1907 se pusieron a disposición del público en general los primeros materiales comerciales de película en color, unas placas de cristal llamadas Autochromes Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y Louis Lumière. En esta época las fotografías en color se tomaban con cámaras de tres exposiciones.

• En la década siguiente, el perfeccionamiento de los sistemas fotomecánicos utilizados en la imprenta generó una gran demanda de fotógrafos para ilustrar textos en periódicos y revistas. Esta demanda creó un nuevo campo comercial para la fotografía, el publicitario. Los avances tecnológicos, que simplificaban materiales y aparatos fotográficos, contribuyeron a la proliferación de la fotografía como un entretenimiento o dedicación profesional para un gran número de personas.

 

 

 

 

 

 

 

 

• La cámara de 35 mm, que requería película pequeña y que estaba, en un principio, diseñada para el cine, se introdujo en Alemania en 1925. Gracias a su pequeño tamaño y a su bajo coste se hizo popular entre los fotógrafos profesionales y los aficionados. Durante este periodo, los primeros utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía con un detonador, producían un destello de luz brillante y una nube de humo cáustico. A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de luz. Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color. La película Kodacolor, introducida en 1941, contribuyó a dar impulso a su popularización.

 

 

 

 

 

 

En la página web del museo fotográfico Simik podemos encontrar un catálogo de las cámaras dispuestas en las vitrinas en exposición.

 

 

• Pero las tendencias artísticas de la fotografía no desaparecieron: a principios del siglo XX, fotógrafos como el estadounidense Alfred Stieglitz y el luxemburgués Edward Steichen animaron la aparición de publicaciones y la organización de exposiciones fotográficas, en estrecha relación con las corrientes artísticas contemporáneas. La fotografía artística siguió explorando la vida cotidiana, sus personajes y sus paisajes, sin adornos ni retoques, como las del alemán August Sander, el francés Henri Cartier-Bresson, los estadounidenses Paul Strand, Ansel Adams y Walker Evans. Strand y Adams se dedicaron al paisaje, mientras que Evans se dedicó al periodismo gráfico sobre la época de la depresión económica, tras la crisis de 1929.

Foto sacada por Ansel Adams

 

 

 

 

 

 

 

Foto sacada por Walker Evans

 

 

 

 

 

 

 

 

Con idas y vueltas, a través del paso del tiempo, se fue reconociendo a la fotografía como arte. Hasta los propios creadores plásticos se sintieron atraídos por los experimentos fotográficos. De estos casos, se pueden mencionar el del constructivista húngaro László Moholy-Nagy y sus imágenes de luz, el estadounidense Man Ray y el surrealismo, y los alemanes John Heartfield y Hannah Höch quienes denunciaron la situación político-social a través del fotomontaje.

Imágenes de luz: László Moholy-Nagy  (ver enlace para conocer más obras de este autor)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Man Ray y el surrealismo  (ver enlace para conocer más obras de este autor)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

John Heartfield y Hannah Höch: fotomontaje

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La fotografía se extendió rápidamente a todos las áreas de la creatividad humana y se transformó en un lenguaje de primera magnitud en una cultura primordialmente visual, como es la contemporánea.

Orígenes: entre el daguerrotipo y el calotipo como formas de expresión de las necesidades sociales de la época

 

 

 

 

 

 

 

 

Toma realizada por Nièpce de una vista desde su lugar de trabajo (vista del patio de su casa). Es considerada como la primer fotografía de la historia.(1827)

• La imagen fotográfica más antigua que se conoce hasta este momento data del año 1826 y fue creada en Francia por Joseph Nicephore Niepce. Es una imagen realmente “tosca”, en tonos claros y oscuros con casi ningún tono gris intermedio, creada en positivo directo mediante el uso de una cámara oscura con una exposición de aproximadamente ocho horas. Dicha técnica fue llamada por su inventor Heliografía, es decir dibujos al sol.

 

 

 

 

 

 

 

Primer daguerrotipo, tomado por Daguerre en París, en el año 1839.

• Trece  años después, en 1839, otro francés de nombre Louis Jacques Mande Daquerre utilizando como base la técnica de Niepce, descubre y desarrolla su técnica conocida como Daguerrotipo. Esta técnica utiliza como media una placa de cobre sensibilizada que produce una imagen de gran detalle. Estas dos primeras técnicas disfrutaron al inicio de gran popularidad pero fueron rápidamente sustituidas por otras técnicas porque compartían una misma característica – Eran imágenes en positivo e irreproducibles.

• Tras la revolución de 1830 en Francia se respira una atmósfera marcada por la ideología liberal, con nuevas escalas de valores, marcadas fundamentalmente por el progreso. Será nueve años después, y en ese ambiente de libertad y progreso, cuando Daguerre presente su invento, el daguerrotipo.

• Louis- Jacques Mandé Daguerre presenta su proyecto en el año 1939. Las imágenes del daguerrotipo eran captadas con una cámara oscura cuyas dimensiones se correspondían con las del aparato. Referente a esto debemos mencionar que debido al éxito del nuevo descubrimiento, numerosos personajes se dispusieron a obtener fotografías siguiendo idéntico procedimiento, pero fracasaron en sus intentos. A causa de esto, Daguerre decidió fabricar asociado con su cuñado, una serie de cámaras semejantes a la suya. Esta cámara recibió el nombre de Daguerréotype. Pero pronto salieron al mercado cámaras que no llevaban la firma de Daguerre. Estos vendedores y aficionados fueron los responsables de la evolución de las cámaras fotográficas, aligerándolas de peso, construyéndolas con materiales algo más baratos y reduciendo progresivamente el tiempo de exposición.

• El daguerrotipo surgirá como una respuesta a la necesidad de captar la realidad externa por parte de una reducida burguesía ávida de dar una imagen de calidad de vida y de auto representación, y que pronto pasarían a estar al alcance de casi todos. Poseerá muchas ventajas como por ejemplo facilitar el conocimiento visual de lugares lejanos, o captar imágenes deseadas con un aparato de pequeñas dimensiones. Pero no todo serán ventajas, pues esta novedosa técnica sólo ofrecía una imagen no reproducible, además de una imagen no demasiado correcta, pues ofrecía una visión negativa de la realidad (destáquese la anécdota de los militares, que debían colocarse sus condecoraciones en el lado izquierdo y no en el derecho como deberían llevarlas). Existía además una falta de matices, debido a su bicromía blanco- negro, llegando incluso en ocasiones a una distorsión de la realidad, pues colores que debían aparecer como claros lo hacían en oscuro, o viceversa, llevando al autor a hacer un estudio previo del entorno y el retratado para evitar estos posibles defectos cromáticos. Otra de las deficiencias fue su perspectiva, pero esto no supuso un problema a solucionar, pues resultó ser uno de los encantos de estas imágenes. Por último, otro de los inconvenientes fue la dificultad para captar el movimiento, pues se necesitaba que la luz fuese captada durante varios minutos e incluso horas (según un texto publicado por el Ministro Duchatel, el Señor Niépce obtendría las siluetas de los objetos en unas doce horas), dejando que la luz actuase sobre la placa fotosensible. Todo lo contrario que actualmente, que con tan sólo media fracción de segundo congelamos una imagen. Se trataba pues de un proceso caro, de complicada manipulación y que ofrecías tan sólo una imagen no reproducible. Otra de las características del daguerrotipo es que debía estar siempre protegida por un cristal e insertada en lo que se denomina “paquete daguerriano”, mostrando la imagen en positivo o negativo según el ángulo de observación e iluminación. Este debía ser sellado mediante un papel engomado para evitar los efectos de la oxidación sobre la imagen, corriéndose sino el riesgo de que la imagen desapareciera.

• En un principio las imágenes tomadas por este procedimiento eran de estampas arquitectónicasya que debido a la duración del proceso era prácticamente imposible retratar personas.El daguerrotipo estuvo en uso comercial hasta aproximadamente el año 1860 habiendo llegando su declive ya, cinco años antes, seguramente causado por la toxicidad de los materiales (causa de muchas enfermedades de estos investigadores) y por la limitación de la imagen a una sola.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

• En Inglaterra en el 1841, William Henry Fox Talbot descubre y patentiza un nuevo proceso fotográfico, el Calotipo. Esta técnica consta de impregnar un papel con sales de plata y exponerlo a la luz dentro de una cámara oscura lo que produce un negativo que luego es usado para producir un positivo por contacto utilizando otro papel impregnado con las mismas sales y expuesto a la luz del sol. Aunque esta nueva técnica logra la reproducción de la imagen mediante el uso de un negativo no superó la calidad de imagen de la técnica del daguerrotipo.

• En 1847 nuevamente en Francia la técnica del Calotipo es mejorada remplazando la base del papel por una lámina de vidrio recubierta con sales de plata en suspensión sobre clara de huevo. Aunque esta técnica goza de dos excelentes características: se puede crear la placa con bastante anticipación y produce copias de excelente calidad, también cuenta con una gran desventaja: requiere tiempos de exposición mucho más largos por su baja sensibilidad a la luz.

• Henry fox Talbot mostró al mundo su creación un par de años más tarde que Daguerre (en 1841) en Londres. El calotipo o talbotipo de Talbot será criticado desde un principio pues ofrecía una imagen primero en negativo que tras un proceso de revelado se mostraba en positivo, aunque en un principio sus imágenes también fueron en negativo. Tras varios estudios en 1840 lograría un sustancial avance, mediante el cual, de una imagen negativa obtendría una positiva, lo que le llevaría a su presentación pública. Este es quizá el primer elemento diferenciador con respecto al daguerrotipo de Daguerre, que sólo mostraba una imagen negativa. Pero este proceso permitió además realizar no sólo una imagen positiva, sino múltiples, todo lo contrario que con el invento de su predecesor. Su creación tuvo lugar de forma fortuita durante unas vacaciones a la orilla del lago Como a través del uso de la cámara oscura y la cámara de luz (procedimientos ya investigados y fallidos en épocas anteriores).Continuó investigando con papeles de plata y procesos de revelado, pero fue en 1841 cuando patentó el calotipo.

• Desde un primer momento se diferenciaron notablemente, pero si hubo algo que les diferenció fue su trato burocrático con respecto al invento. Mientras Daguerre negociaba con el gobierno de su país para que le compraran la patente de su invento a cambio de ser difundida gratuitamente por todo el mundo, Talbot escogía dirigir su propia patente, llevándole incluso a tener problemas con la ley. Esto provocó que el invento de Daguerre tuviera una rápida difusión por casi todo el mundo, en países como Alemania, EEUU, Inglaterra, etc, frente a la lenta difusión del calotipo de Talbot.

• Pero aún el daguerrotipo gozaba de un mayor acogimiento popular frente la calotipo (palabra de origen griego que significa “bella imagen”) de Talbot. Aún así, este último siguió investigando, reduciendo el tiempo de exposición de treinta minutos a treinta segundos. Además, a diferencia del daguerrotipo este mostraba una imagen nítida en un color sepia frente a la bicromía del daguerrotipo (blanco- negro).

• El invento de Talbot que tuvo lugar de forma fortuita según comento el propio inventor, se basaba principalmente en el uso de cloruro de plata (cloruro de sodio más solución de nitrato de plata) con lo que mojaba el papel que posteriormente exponía a la luz solar. A continuación se fijaba con hiposulfito. El resultado era una silueta clara sobre un fondo oscuro (imagen en negativo).

• El invento de Talbot permitió hacer retratos de personas, pues el tiempo de exposición se había reducido notablemente, frente a la larga duración del de Daguerre, que en principio sólo permitía la representación de arquitecturas y naturalezas muertas.

• Años después, en 1854, Scott Archer´s desarrollo un proceso denominado “colodión” y que Talbot interpretará como una evolución de su proyecto. A partir de este momento el mundo de la fotografía no dejará de progresar, llegando hasta nuestros días, en que la tecnología se ha desarrollado tanto que podemos captar imágenes en un formato digital, y que no siempre son del gusto de todos, pues pensamos que se pierde el encanto del formato tradicional.Si hay algo por lo que Henry Fox Talbot es conocido hoy en día, es por haber sido el inventor del proceso fotográfico actual.

 

El museo fotográfico Simik no cuenta con cámaras del daguerrotipo, pero si dispone de muchas fotografías en sus vitrinas, las cuales estan digitalizadas en su página web: véalas aquí.

Definiendo la fotografía: de la cámara al arte de dibujar con la luz

Fotografiando a la fotografía

 

 

 

 

 

 

• La fotografía es el procedimiento por el que se consiguen imágenes permanentes sobre superficies sensibilizadas, por medio de la acción  fotoquímica de la luz o de otras formas de energía radiante. Para ello, es necesaria la manipulación de la cámara fotográfica.

• Pero es interesante pirmero detenernos en el origen mismo de esta palabra para adentrarnos en su especificidad significativa: la palabra fotografía es de origen griego, proviene de photos, que significa luz y graphis que significa dibujo, escritura. En otras palabras, estaríamos hablando de  «dibujar o escribir con la luz».

• Pero si, por otra parte, nos concentramos en el significado de la palabra cámara, vemos que ésta deriva de la palabra latina camera que significa habitación. La cámara oscura original era una habitación cuya única fuente de luz era un minúsculo orificio en una de las paredes. La luz que penetraba en ella por aquel orifício proyectaba una imagen del exterior en la pared opuesta. Aunque la imagen así formada resultaba invertida y borrosa, los artistas utilizaron esta técnica, mucho antes de que se inventase la película, para esbozar escenas proyectadas por la cámara. Con el transcurso de los siglos la cámara oscura evolucionó y se convirtió en una pequeña caja manejable y al orificio se le instaló una lente óptica para conseguir una imagen más clara y definida. De acuerdo con el diccionario de la Real Academia Española, la cámara fotográfica es un aparato que sirve para hacer fotografías, y que consta de un medio óptico, el objetivo, y de un medio mecánico, el obturador.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Luego de visitar el Museo Fotográfico Simik,  resulta  interesante ingresar a su sitio web y recorrer los distintos contenidos que allí encontramos. En relación a la cámara oscura y el origen de la fotografía la página nos ofrece algunas definiciones y algunas imágenes sobre el catálogo de más de 600 cámaras que se encuentran en el museo.

• La fotografía y la cámara están unidas por un vínculo muy fuerte. Pero se diferencian entre sí porque la primera es arte y la segunda es el aparato que la reproduce. Por otra parte, hay que saber mirar para lograr buenas fotografías, algo que parece difícil , y al mismo tiempo indispensable. Para ello el requisito fundamental en este arte es aprender a mirar. Por eso, se toma en cuenta normas básicas que sirven como guía, no obstante el fotógrafo puede tomarlas como referencia y cambiarlas a su manera, de manera que su creatividad no se limite.

Con lo dicho podemos entender entonces que la cámara fotográfica es el medio de reproducción técnica que permite la existencia de la fotografía como expresión artística genuina.

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